Introducción

¿Qué es el "arte"? No hay una definición única, pero algunos dicen que es un espejo que apuntamos a la sociedad y que nos ayuda a comprender nuestro mundo en constante cambio. Las dos guerras mundiales del siglo XX fueron periodos enormes, dramáticos y terribles, y una de las formas en que la gente reaccionó ante ellas fue creando arte. Veamos algunas de esas creaciones y pensemos en lo que nos dicen sobre las sociedades que atravesaron y emergieron de las guerras mundiales.

El arte y la Primera Guerra Mundial

La Primera Guerra Mundial transformó el mundo artístico. Parte del arte que produjo, sobre todo al principio, se utilizó para excitar y movilizar a la gente para la guerra. Un gran ejemplo son los carteles del artista australiano Norman Lindsay, que intentaban reclutar hombres para las fuerzas australianas que luchaban por Gran Bretaña. Carteles como The Trumpet Calls eran a la vez realistas y expresivos, destinados a evocar una respuesta emocional que diera ganas de luchar.

Una vez iniciada la guerra, muchos estados encargaron a artistas que fueran al frente a dibujar los campos de batalla. Este tipo de arte tenía una larga tradición en Europa, pero resultaba difícil dadas las nuevas realidades de la guerra industrializada. En lugar de imágenes románticas de batallas triunfales, gran parte del arte surgido en el frente de esta guerra detallaba la terrible existencia y las vidas acortadas de los combatientes. El artista George Harding, enviado para acompañar a las fuerzas estadounidenses en Francia, dibujó y pintó las devastadoras escenas de las que fue testigo. Traffic to Mont St. Père (Tráfico hacia el Monte Saint Père), por ejemplo, representa la destrucción de una ciudad por la artillería y la aviación.

Luego está el arte que leemos, más que el que vemos. Los poemas sobre la Primera Guerra Mundial lamentaban la pérdida de vidas, la destrucción de bienes y la muerte de la inocencia. Algunos de estos poetas habían luchado, y a menudo muerto, en el frente, como el británico Siegfried Sassoon, el ruso Ilya Ehrenburg, el alemán Gerrit Engelke y el francés Louis Pergaud. Otras fueron mujeres que sintieron la agonizante pérdida de una generación y escribieron sobre ello, como Ada Harrison, que escribió Año Nuevo, 1916:

Los que bajan al silencio. . .

No hay silencio en su muerte,
Aunque el césped de su tumba no
esté mojado de lágrimas, Aunque el
dolor pase a su lado, y el
renombre no les haya dado gloria
en los años.

La nube de la guerra avanza, y los
hombres olvidan que los imperios caen.
Seguimos nuestros caminos sin prestar
atención, sin saberlo, sin importarnos,
y sin embargo el mismo polvo es un
clamor con sus alabanzas.

Después de la guerra, gran parte del mundo siguió lidiando con los años de muerte y destrucción. En muchas sociedades se produjo una especie de reacción postraumática. Afectó a casi todo el mundo, pero especialmente a los muchos millones de veteranos de guerra. El arte reflejaba esta lucha y era una forma de asumir el significado y las causas de la guerra. Una escuela de arte concreta, el dadaísmo, sostenía que la guerra era el resultado del auge de la ciencia y del énfasis en la razón, y que eso había mermado el humanismo y la emoción. El arte dadaísta pretendía ofender y plantear preguntas difíciles. Ignoraba las a menudo rígidas reglas del arte y abrazaba la irracionalidad, como puede verse en Cut with the Kitchen Knife (Corte con el cuchillo de cocina), de Hannah Hoch.

Junto a Dadá, surgió el movimiento surrealista, que comenzó en París al final de la guerra. Este tipo de arte transmitía ideas, pensamientos y sentimientos, dejando atrás la "realidad". En general, los surrealistas pensaban que la Primera Guerra Mundial había sido causada por el deseo de la gente de obedecer y conformarse, y sus artistas y poetas hacían hincapié en el inconformismo. Fusionaron objetos y elementos que otros no habrían pensado que debían ir juntos, y también plantearon cuestiones sobre si el mundo que creemos ver es lo que realmente existe. Un gran ejemplo es The Treachery of Images (La traición de las imágenes), de René Magritte. Se trata de la imagen de una pipa sobre las palabras Ceci n'est pas une pipe ("Esto no es una pipa"). Y Magritte tenía razón: no es una pipa, sólo la imagen de una pipa. Pero también puede estar sugiriendo que lo que creemos experimentar en el mundo es sólo una representación o ilusión de la realidad.

El arte y la Segunda Guerra Mundial

El arte del periodo de entreguerras fue tanto rico como caótico. Pero la creciente ola de fascismo, autoritarismo y comunismo fue un intento de imponer el orden en el mundo, al menos en muchos países. Estas ideologías consideraban el arte surrealista demasiado incontrolable y demasiado "desviado", y muchos dirigentes lo veían como una grave amenaza. En Alemania, una vez que el partido nazi llegó al poder, se quemó una gran cantidad de arte surrealista o no aprobado.

Reconociendo el poder del arte, los gobiernos autoritarios también lo produjeron. Patrocinaron el arte que celebra la modernidad, la organización y la obediencia. Una de las más importantes fue probablemente El triunfo de la voluntad, una película sobre Adolf Hitler realizada por la cineasta alemana Leni Riefenstahl en 1935, todavía en los primeros años de este arte. Se trataba de una pieza propagandística de dos horas destinada a mostrar cómo el pueblo alemán debía celebrar a Adolf Hitler como un hombre de acción.

La propia guerra también dio lugar a una abundancia de arte. Algunas eran abiertamente racistas, como muchas piezas antijaponesas en Estados Unidos. Otros países también crearon una gran cantidad de propaganda en los territorios que tomaron o intentaban tomar. Esperaban que el arte convenciera a la población para que obedeciera su gobierno. Un buen ejemplo es este folleto japonés de 1946. Su objetivo es convencer a los ciudadanos indios de que no se unan para luchar contra Japón.

Durante la guerra también se robaron muchas obras de arte. Las fuerzas alemanas, en particular, se llevaron obras de arte tanto de los países conquistados como de grupos, como la población judía, cuyos bienes fueron robados antes de ser asesinados. Tras la guerra, se hicieron muchos esfuerzos por recuperar este arte, pero sólo algunos tuvieron éxito.

Arte de posguerra

En Estados Unidos y algunos otros países, el final de la guerra en 1945 transformó quién podía hacer arte. Antes, no era una carrera que mucha gente pudiera permitirse. Pero la GI Bill (Ley de reajuste de militares), que pagaba a los veteranos para que fueran a la universidad, amplió enormemente la reserva de talentos para estudiantes de arte y otras disciplinas. La "democratización" del arte generó muchos nuevos tipos de creatividad. Junto con el auge de la cultura de consumo, se creó el "arte pop", un movimiento que desafió las ideas de la gente sobre a quién iba dirigido el arte y quién podía crearlo. ¿Sólo los ricos, como siempre? ¿O es que ahora cualquiera puede ser artista? Quizá ninguna otra obra de arte ejemplifique tan hábilmente este movimiento como las "32 latas de sopa Campbell", de Andy Warhol, que convirtió en arte un producto cotidiano. ¿No sabes si es arte de verdad? ¡Eso es exactamente lo que Warhol esperaba que pensaras!

Mientras tanto, en China, la victoria del partido comunista trajo al poder no sólo un nuevo gobierno, sino también una nueva idea sobre la finalidad del arte. El presidente del partido Mao Zedong ordenó que el arte fuera "un arma poderosa para unir y educar al pueblo, combatir y destruir al enemigo" El arte que no se consideraba útil, especialmente movimientos europeos y estadounidenses como el surrealismo y el arte pop, fue proscrito. La Revolución Cultural de los años 60 y 70 destruyó incluso arte chino centenario de dinastías anteriores. El único arte avalado por el gobierno eran obras muy realistas, procomunistas y progubernamentales, como este cuadro.